.
Mit Untertiteln von SWISS TXT
Nachdem die Oscars vergeben wurden,
können wir uns endlich dem einzig
wirklich wichtigen Award widmen:
dem Schweizer Filmpreis.
Nächsten Freitag
wird er in Genf vergeben.
Doch bereits heute
diskutieren wir über die Anwärter
auf die begehrte Trophäe,
hier in der "Sternstunde Kunst".
Herzlich willkommen.
Ich begrüsse auch die Teilnehmerinnen
der Diskussionsrunde:
die Filmhistorikerin Marcy Goldberg
und die Präsidentin des Verbands
der Schweizer Filmkritikerinnen
und Filmkritiker Denise Bucher,
deren eigene Besprechungen
jeweils in der "NZZ am Sonntag"
zu lesen sind.
Leider nicht mehr Teil unserer
vertrauten Runde ist Monika Schärer,
die den Sender nach 32
verdienstvollen Jahren verlassen hat.
Beste Grüsse von dieser Stelle.
Nun aber zu den Stars der Sendung:
den Nominierten.
Welche fünf Spielfilme dürfen auf den
Sieg in der Königsdisziplin hoffen?
Hier ein Überblick.
(Kommentar)
Eigenwilliger Weg zu Gott.
"Foudre"
Wenn Anarchie
auf Schweizer Pünktlichkeit trifft.
"Unrueh".
Wer treibt an
und wer wird angetrieben?
Kapitalisten, Feministinnen
und eine revolutionäre Optik.
Mit jeder Flut
verschwinden mehr Frauen.
"El Agua".
Patriarchale Mythen, eine verliebte
junge Frau und ein mächtiger Sturm.
Stilles Drama in mystischer Bergwelt.
"Drii Winter".
Späte Liebe,
stille Krankheit und zu früher Tod.
* Verspielte Musik *
Dargestellt
von einem reinen Laien-Ensemble.
Von Nähe, Distanz
und unüberwindbaren Grenzen.
"La Ligne".
Wenn die gewalttätige Tochter
ein Kontaktverbot
zur Mutter aufgebrummt bekommt.
(Mann) ... je décide
de prendre contre vous
des dispositions exceptionnelles.
Das sind also, die fünf Auserwählten
der Schweizer Filmakademie.
Dieser Verband
besteht aus Fachleuten der Branche,
die nach amerikanischem Vorbild
die Besten ihrer Profession küren.
Aber sind es überhaupt die Besten?
Denise Bucher, wenn man
auf die Einspielergebnisse blickt,
liegen ganz andere Filme vorne.
Z.B. "Die goldenen Jahre"
mit über 86'000 Eintritten.
Ketzerisch gefragt:
Wurden die Falschen nominiert?
Die Frage ist, was man mit diesem
Quartz auszeichnen möchte.
Erfolg oder Kreativität,
künstlerische Wagnisse?
Ob es Kunst ist,
die man honorieren möchte?
Wenn es Letzteres ist,
was ich persönlich vorziehen würde,
dann sind die Richtigen nominiert.
Wie deuten Sie das, Marcy Goldberg?
Ist es wieder
das alte Lied von den Kassenhits,
die bei Preisverleihungen
gerne übergangen werden?
Ich denke,
es steckt keine Strategie dahinter.
Das sind verschiedene Kategorien
von Erfolg oder Achtung.
Ich denke, die Filme, die
an der Kinokasse gut abschneiden,
das ist ein Erfolg für sich.
Aber andere Filme,
die künstlerisch wertvoll sind
oder die etwas wagen,
brauchen dann auch
eine Anerkennung aus der Branche.
Und das ist die Idee,
auch mit der Akademie in Amerika:
dass sich die Filmbranche
sozusagen selber feiert -
und ich sage das im positiven Sinn.
Unter Kolleg:innen.
Ja. Aber irgendwie
kommt der Humor häufig zu kurz.
Humor wird selten honoriert,
wenn es um die grossen Trophäen geht.
Auch in diesem Jahr
werden Dramen die meisten
Schweizer Filmpreise abstauben.
Über alle Sparten gesehen zeichnet
sich ein spannender Dreikampf ab.
Michael Kochs "Drii Winter" geht
mit sechs Nominierungen ins Rennen,
dicht gefolgt
von Cyril Schäublins "Unrueh"
und Ursula Meiers "La Ligne"
mit fünf Nominierungen.
Also rein ins Getümmel der Dramen,
die der Academy
am besten gefallen haben.
Wir starten mit dem Filmbeginn
von "La Ligne",
in dem eine wütende Frau gegen ihre
eigene Mutter handgreiflich wird.
* Sanfte Musik übertönt die Szene *
* Die Musik wird intensiver *
Eine Frau sieht rot -
und mir läuft es auch beim x-ten Mal
schauernd kalt den Rücken runter.
Wie ist es Ihnen ergangen,
Denise Bucher?
Ähnlich.
Ich finde diese Anfangssequenz
des Films sehr gut gemacht
aufgrund des Kontrasts
zwischen der sanften Musik
und der brachialen Gewalt
der Tochter.
Das Faszinierende daran finde ich:
Wir sind uns gewöhnt, prügelnde
Männer zu sehen - das ist cool.
Prügelnde Frauen hingegen sind
irritierend - das gehört sich nicht.
Wenn man das dann aber
mal im Kino sieht,
hat es fast schon etwas
Kathartisches, für mich zumindest.
Gefühlsausbrüche sind uns ... nicht
verboten, aber es gehört sich nicht.
Es ist einfach auch schön, zu sehen,
dass auch Frauen
extreme Gefühle in sich tragen
und die sich irgendwie
einen Ausweg aus dem Körper suchen.
Und sie ist ja trotzdem
die Heldin des Films.- Genau.
"La Ligne" ist sicher auch
der zugänglichste Film
von den drei Filmen,
die wir besprechen,
aber er ist vielleicht
auch der formelhafteste.
Ursula Meier greift in ihren Werken
immer wieder dieselben Themen auf -
starke Symbolik
oder hier die dysfunktionale
Mutter-Tochter-Beziehung.
Marcy Goldberg, Sie sind
ausgewiesene Ursula-Meier-Kennerin -
haben Sie
diese Déjà-vus nicht gestört?
Nein, für mich war es kein Déjà-vu,
sondern die Weiterführung
bestimmter Themen.
Es gibt tatsächlich
eine Art Universum Ursula Meier.
Der Film
trägt klar ihre Handschrift.
Alle drei Filme
tragen meiner Meinung nach
ganz klar die Handschrift
des Machers bzw. der Macherin.
Ursula Meier hat ein ausgeprägtes
Gespür für räumliche Inszenierungen
und wie sich Menschen
innerhalb bestimmter Räume bewegen
und was das auch emotional bewirkt.
Sie geht dann emotional
sehr in die Tiefe,
indem sie es räumlich abgrenzt.
In ihrem früheren Film
"L'enfant d'en haut" bzw. "Sister"
ging es um oben und unten:
eine arme Familie,
die im Tal unten lebt
und deren Sohn
immer in die Höhe fährt,
wo die reichen Leute
Skiferien machen.
Das war immer
diese Bewegung oben und unten.
Hier ist es sprichwörtlich
diese Linie, daher der Filmtitel:
Die Tochter bekommt ein Rayonverbot.
Sie darf die Familie nicht mehr
auf dem Gelände des Hauses besuchen
und hantiert dann immer
auf der Strasse vor dem Haus.
Das ist filmisch ein extrem genialer
Ausganspunkt für eine Geschichte.
Das ist fast wie ein Kammerspiel:
eine alleinerziehende Mutter
mit ihren drei Töchtern.
Es sind also drei Schwestern,
und v.a. die älteste
und die jüngste Schwester,
die allen etwas die Show stiehlt ...
Es geht dann sehr darum, wie sie
alle miteinander Konflikte haben,
Spannungen ausleben, darüber reden
oder nicht darüber reden usw.
Genau, damit sind wir
bei den starken Frauenfiguren,
die diesen Film tragen.
Ganz zentral
ist Stéphanie Blanchoud,
die wir in der ersten Szene sahen.
Sie ist nicht nur
die Hauptdarstellerin,
sie schrieb auch beim Drehbuch mit
und ist auch fürs Drehbuch nominiert.
Zudem hat sie auch
die Filmmusik komponiert
und könnte auch da gewinnen.
Ein wahres Multitalent also.
Aber auch eine echte Schweizerin.
Man könnte sagen, das sei irrelevant,
aber es geht
um den Schweizer Filmpreis
und eine Schauspielerin
wie Isabelle Huppert
hätte für "Home" auch nicht den
Schweizer Filmpreis gewinnen können.
Wie sehen Sie das, Denise Bucher?
Sie ist Doppelbürgerin.
Ja, ich glaube,
ihr Vater stammt aus Vevey.
Dann ist sie in der gleichen
Situation wie Ursula Meier.
Ich finde, das spielt auch
keine so grosse Rolle.
Wenn sie Halbschweizerin ist und
in einem Schweizer Film mitspielt,
dann finde ich das
völlig in Ordnung,
dass sie für den Preis
nominiert ist.
Ich weiss jetzt nicht ...
Wieso kann Isabelle Huppert
nicht auch ...?
Ich finde,
man sollte die Grenzen offen lassen.
Es geht ums Kunstprodukt Film.
Die Leute, die daran beteiligt sind,
sollte man meiner Meinung nach
gleich behandeln.
Ich denke, das ist es auch, was
Ursula Meier ein bisschen ausmacht:
Sie arbeitet im Schweizer Kontext,
aber auch international.
Auch was die Produktionsebene an-
belangt, ist der Film ein Kraftakt.
Der Film wurde von den Dardenne-
Brüdern aus Belgien koproduziert,
die internationales Ansehen
geniessen.
Und Ursula Meier hat auch immer
an internationalen Festivals Erfolg.
D.h., sie bringt ein bisschen diesen
Flair mit zurück in die Schweiz.
Aber der Film selber, und das
macht sie mit ihren Filmen immer:
Sie betont ganz stark die Location.
Der Film ist ganz klar
im Wallis angesiedelt,
in diesem Dorf.
Sie spielt immer mit der Beziehung
zwischen Landschaft und Menschen.
Die menschlichen Dramen spielen sich
immer vor dieser Kulisse ab:
die Autobahnstrecke,
die Berge in der Ferne ...
Es gibt auch
ein paar Szenen am Wasser.
In einem Interview sagte sie auch,
sie würde versuchen,
eine Art Westerns
in der Schweiz zu drehen,
in denen es sehr
um territoriale Fragen geht.
Und wie Denise vorhin antönte:
Männliche Gewalt im Kino
hat eine lange Geschichte.
Faszinierend bei Ursula Meier ist,
dass sie es sich erlaubt,
auch unmögliche Frauen
in ihren Filmen zu zeigen.
Die Mütter haben es bei ihr
auch immer ein bisschen schwer.
Aber genau das ist das Spannende,
dass auch solche Themen vorkommen
und behandelt werden können.
Z.B., wie Mütter und Töchter
streiten, und zwar aufs Heftigste.
Von wegen Western:
Es ist nicht so,
dass man auf den ersten Blick sieht,
dass das in der Schweiz spielt.
Das bleibt irgendwie ...
Die Orte bleiben auf eine Art ...
... universell global -
das könnte irgendwo sein.
Nein.
- Doch.
Das könnte auch
in Österreich oder Frankreich sein.
Woher will ich wissen,
wie diese Berge im Hintergrund ...?
Das kann ich nicht identifizieren.
Aber es ist immer eine Art
Transitraum, ein Dazwischen.
Das finde ich entscheidender als
die genaue geografische Verortung.
Wenn wir vom Geografischen reden:
Der Film feierte in Berlin Premiere.
In Berlin gewann Ursula Meier
damals auch für "L'enfant d'en haut"
den Silbernen Bären.
Und ebenfalls in Berlin
feierte letztes Jahr
"Unrueh" von Cyril Schäublin
Premiere.
Er gewann für seine
anarchische Kapitalismusstudie
gar den Regiepreis
in der Sparte "Encounters".
Damit würdigt das Festival Filme,
die unsere Sehgewohnheiten
herausfordern,
und das tut "Unrueh" definitiv.
* Flüstern *
Ich habe extra langsam gearbeitet.
(Selim Petersen) Wir sehen: Cyril
Schäublin platziert seine Figuren
meist nicht prominent in der Mitte,
sondern irgendwo an den Rändern.
Und er arbeitet viel mit Totalen,
was das Publikum dazu zwingt,
über die Organisation
des eigenen Blicks nachzudenken.
Marcy Goldberg, könnte man sagen,
dass hier die kapitalistische
Maschinerie im Zentrum steht?
Nein, der Widerstand dagegen
steht im Zentrum.
Wie die Menschen versuchen,
sich zu organisieren,
um gegen die kapitalistische
Zeitordnung Widerstand zu leisten.
Es ist ein komplizierter Film.
Könnten Sie die Handlung kurz
wiedergeben? Worum geht es überhaupt?
Der Titel "Unrueh"
hat eine doppelte Bedeutung.
Einerseits steht der Begriff
für einen Teil des Uhrwerks -
das, was die Uhr zum Ticken bringt.
Anderseits geht es auch
um politische Unruhe.
Der Film wurde von der
historischen Tatsache inspiriert,
dass die Täler,
wo die Schweizer Uhrenfabriken Ende
des 19 Jh. ihren Betrieb aufnahmen,
Hochburgen
der anarchistischen Bewegung
und der internationalen
Arbeiterbewegung waren.
Der Film arbeitet
mit diesem scheinbaren Paradox:
einerseits also
die aufkommende Uhrenindustrie,
andererseits die internationale
Vernetzung von arbeitenden Menschen.
Das kling alles hoch spannend,
fast zu schön, um wahr zu sein.
Deswegen spiele ich jetzt mal
kurz des Teufels Advokat
und erinnere mich an Äusserungen von
filmaffinen Kolleginnen und Kollegen,
die den Film auch gesehen haben,
und die eingeschlafen sind.
Sie fanden, dass der Slow-Motion-Plot
gar nirgends ankommt.
Können Sie
mit dieser Kritik etwas anfangen?
Oder finden Sie diese Kritik
ungerechtfertigt?
Ich kann es verstehen,
aber mir ging es nicht so.
Denn es ist ein Film, der entgegen
allen Erwartungen funktioniert,
die man sonst ans Kino hat.
Es ist nicht Erzählkino.
Es geschehen Dinge, mit denen man
zunächst nichts anfangen kann.
Man muss den Film entschlüsseln,
und das dauert seine Zeit.
Man muss sich dem aussetzen,
um darin eintauchen zu können.
Ich glaube, das ist das Geheimnis
bei diesem Film.
Man kann ihn gar nicht
richtig versehen.
Es ist eher Atmosphäre als Plot.
Der Inhalt
lässt sich nicht wiedergeben.
Es sind Versatzstücke, die sich
irgendwie zu einem Ganzen ergeben
und die sich dann wieder wandeln,
wenn man darüber nachdenkt.
Das nenne ich
kreatives und ästhetisches Wagnis.
Ich fand den Film als Filmkritiker
auch hochspannend.
Aber ich hätte gewettet, dass er
beim Publikum nicht funktioniert.
Das Gegenteil ist eingetroffen:
Es ist der erfolgreichste
der drei Filme.
Können Sie sich das erklären?
- Ich versuche es.
Ich habe den Film auch sehr genossen
und ihn mehrmals geschaut.
Ich finde ihn auch lustig.
Es gibt sehr viel Situationskomik
und unterschwellige Ironie,
wie die Figuren
auch miteinander umgehen.
Es ist ein Film,
der sein Publikum für mündig nimmt.
Der Film zeigt auch
viel Respekt vor uns.
Er geht davon aus, dass wir
die Witze auch kapieren werden.
Es ist also auch ein Film,
der uns auf Augenhöhe begegnet.
Das macht ihn auch spannend.
Er bietet uns immer wieder
Denkstoff an und geht davon aus,
dass wir es auch verstehen.
Und es ist auch Sehstoff.
Die Art und Weise,
wie die Bilder komponiert sind -
man muss versuchen,
die irgendwie zu entschlüsseln.
Man kann sich nicht einfach
wie bei einer Komödie hinsetzen
und eine nette Geschichte geniessen.
Man muss es wirklich ...
Es ist ein Rätsel.
Ich glaube, er arbeitet mit Zoom.
Er schiebt den Raum zusammen
und es wird wie zu einer Kulisse.
Eine natürliche Umgebung
wird zu einer Art Kulisse,
in der sich die Figuren bewegen.
Eigentlich ist es hoch künstlich,
aber es wirkt nicht manieriert,
es wirkt nicht künstlich,
weil sich die Figuren
natürlich bewegen und ...
Man belauscht sie ja bei
scheinbar natürlichen Gesprächen.
Und man hat das Gefühl,
man sei in der Gegenwart,
weil sie so modern sprechen,
obwohl das im 19. Jh. spielt.
Genau, das ist auch sehr innovativ.
Es ist kein Historienfilm
oder Kostümdrama.
Wobei sie sich
durchaus viel Mühe gaben
mit der historischen Recherche.
Alle historischen Fakten im Film
stimmen.
Aber die Art und Weise, wie sie
einander begegnen, ist sehr frisch.
Und offenbar haben sie auch
sehr viel improvisiert.
Cyril Schäublin hat mit
Laiendarsteller:innen gearbeitet.
Er hat sie sozusagen
mit dem Stoff gefüttert
und die Gespräche entstanden dann
zum Teil auch spontan.
U.a. die spannendste
Liebeserklärung,
die ich seit Langem
im Kino gesehen habe,
als die Frau
Kropotkin zu erklären versucht,
wie die Uhr mechanisch funktioniert,
auf eine so
doppeldeutige Art und Weise,
dass es einfach nur köstlich ist.
Zur Erklärung:
Kropotkin ist ein Anarchist.
Er tritt für die Arbeiterschaft ein.
Der Film hat aber
keine wahren Protagonisten.
Oder habe ich da was verpasst?
Es ist ein Kollektiv.
- Genau.
Wie schon in seinem Vorgängerfilm:
Die kommen und gehen.
Das meine ich auch
mit Versatzstücken:
Sie treffen sich,
driften wieder auseinander,
und irgendwie setzt sich das
dann schon zusammen.
Aber es gibt nicht eine Figur, die
durch die Handlung hindurch führt.
Aber das gehört auch zum
politischen Standpunkt des Films.
Es geht ums Kollektiv,
ums Miteinander.
Es geht
ums Abschaffen von Hierarchien,
die nicht funktionieren.
Der Film ist genau ein Beispiel
dafür, wofür er auch plädiert.
Auch das ist sehr raffiniert.
Auch dieser Film
trägt eine klare Handschrift.
Man erkennt gleich:
Das ist ein Cyril-Schäublin-Film.
Was macht denn
diesen Cyril-Schäublin-Film aus?
Das sind diese lakonischen Dialoge
sowie diese Tableaubilder.
Er arbeitete zum zweiten Mal
mit dem Kameramann Silvan Hillmann
zusammen.
Ich denke, das trug auch dazu bei,
dass beide Filme dieselbe
visuelle Handschrift tragen.
Es wird auch sehr viel über
die Tonebene erklärt oder erzählt.
Das hält uns auch wach -
also die, die wach bleiben.
Man passt immer darauf auf,
was aus dem Off geflüstert wird.
Als Gegensatz zum Bildinhalt.
Auch das gehört zu seinem Stil.
Und auch dieses Kluge ...
Ja, und sehr vieles geschieht
auch ausserhalb des Bildes.
Das finde ich bei ihm
etwas vom Entscheidendsten.
Man weiss nie, ob die Stimme
noch in Körperform
ins Bild kommt oder nicht.
Das schafft eine Art mysteriösen
Aussenraum, den man mithört
und die Bilder damit ergänzt, was
man über die Tonebene mitbekommt.
Das finde ich bei ihm
schon sehr eigenwillig.
Mhm.
Man hört die Uhr immer ticken,
die ganze Zeit.
Und auch bei uns hier
tickt die Uhr leider,
weshalb wir auch weiter müssen.
- Jetzt werden wir auch unruhig.
Ja, auch wenn es schmerzt.
Aber wir wollen ja noch
über einen dritten Spielfilm reden,
den Frontrunner
mit sechs Nominationen:
das Bergdrama "Drii Winter"
von Michael Koch,
das mit seinen langen Einstellungen
auf den ersten Blick
wie eine Doku wirkt.
* Er singt mit zum Lied
"What Is Love" von Haddaway. *
(Selim Petersen) Dies ist
der tragische Held des Films:
Marco, ein frisch
verheirateter Bergbauer,
dem soeben
ein Hirntumor entfernt wurde.
Ein Eingriff, der leider auch
Marcos Impulskontrolle verändert
und damit sein ganzes Leben
auf den Kopf stellt.
Drei Jahre
oder eben "Drii Winter" lang
dauert die Handlung dieses Films,
der gerne die Bilder
für sich sprechen lässt.
* Surren *
* Das Surren wird lauter. *
Heu mit Sprengkraft.
"Drii Winter" schlug an der Berlinale
letztes Jahr wie eine Bombe ein.
Auch mich hat dieser Film
total beeindruckt.
Sie weniger, Denise Bucher, richtig?
Ja, für mich ist der Film
zu plakativ.
Die Bildsprache
behauptet Minimalismus,
Zurückhaltung und Ruhe.
Aber die Entwicklung der Geschichte
ist maximal auf Drama getrimmt.
Das fand ich unglaubwürdig.
Ich fand es auch absehbar.
Es war klar,
auch aufgrund des Titels,
worauf es hinauslaufen würde.
Mir kamen auch die Figuren
etwas klischiert vor.
Nein, irgendwie ...
Da hat nichts so richtig gestimmt.
Ich fand es manieriert.
Anders als bei Cyril Schäublin,
bei dem das Künstliche
trotzdem natürlich wirkt,
fand ich das hier manieriert.
Ich würde es nicht manieriert nennen,
ich würde eher dieses Formbewusstsein
unterstreichen wollen.
Es gibt ja auch
diesen griechischen Chor,
der zwischen den Kapiteln operiert
und Dinge vorwegnimmt
wie in der antiken Tragödie.
Wie ist es Ihnen ergangen,
Marcy Goldberg?
Ich sehe das ganz anders
als Denise Bucher.
Ich habe den Film
sehr gern geschaut,
obwohl es eigentlich
ein "feel bad"-Film ist.
Es ist ein Film, bei dem man sehr
in Mitleidenschaft gezogen wird
durch diese traurige Geschichte.
Aber ich fand ihn sehr ...
Ich fand ihn sehr spannend.
Ich entwickelte auch schnell
Sympathien für die Figuren.
Ich fand die Figuren
nicht klischiert, im Gegenteil.
Dadurch, dass hier auch wieder
Laiendarsteller:innen
die Hauptrollen spielen, wirkten sie
für mich auch sehr natürlich.
Alleine schon visuell,
ihre Gesichter -
das hat auf mich
sehr authentisch gewirkt.
Aber die ...- Ich denke ...
- Entschuldigung.- Nein, sag doch.
Aber die Bergler,
die nicht kommunizieren können,
diese Stammtischrunde
in der Beiz ...
Das fand ich klischiert.
Und dann dieser schlechte Techno,
den sie hören.
Ich dachte: "Nein, echt jetzt?"
"Oder spielt der Film in den 90ern
und mir ist etwas entgangen?"
Man tut ihnen
irgendwie auch unrecht.
Es scheint mir ein Blick
auf ein Milieu zu sein,
der zu sehr ein Aussenblick ist.
Ich sah es nicht so,
dass sie nicht kommunizieren.
Das Dorf kommuniziert sehr deutlich
seine Ablehnung
gegenüber diesem Typen,
der von ausserhalb kommt.
Auch ein Klischee.
Ich weiss nicht,
ob es nur ein Klischee ist.
Aber ich fand es auch interessant,
wie Michael Koch sein Zeitgefühl,
das ein ganz anderes Zeitgefühl ist
als bei "Unrueh" ...
Michael Koch machte schon
als Filmstudent einen Film,
in dem er ein ganzes Fussballspiel
aus der Perspektive drehte,
dass wir nur sehen,
wie das Publikum reagiert,
und der Typ, der die Fans anfeuert,
im Vordergrund steht.
Er liebt diese Formspiele.
Und dass in diesem Fall
der Plot absehbar ist -
ich denke, das ist genau der Punkt.
Er nimmt uns das alles vorweg.
Das ist wie "Chronik eines ange-
kündigten Todes" in der Literatur.
Es geht dann gar nicht
um diese Art der Spannung,
sondern um das Zeitgefühl
in den einzelnen Einstellungen,
den Umgang der Menschen miteinander,
das Thema Vergänglichkeit,
das in diesem Film sehr wichtig ist.
Das wird dann auch so
vom Volksmusikchor gesungen.
Der Film zelebriert auch
die Landschaft,
die hervorragend
in Szene gesetzt wird.
Für mich ist gewissermassen
die Berglandschaft die Hauptfigur.
Zur Ergänzung: Michael Koch,
der Regisseur des Films,
war ursprünglich mal Schauspieler
und hat jetzt ...
"Achtung, fertig, Charlie!".
- Das hört er nicht so gerne.
Oh, tut mir leid.
- Kein Problem.
Es ist aber so,
er war da ein Darsteller.
Inzwischen sorgte er aber schon
mit zwei Spielfilmen für Aufsehen.
Der erste lief in Locarno
und hiess "Marija".
Da ging es
um eine Ukrainerin in Deutschland.
Wie würden Sie seine Handschrift
beschreiben? Hat er eine?
* Seufzer *
Ich habe "Marija" authentischer
in Erinnerung als "Drii Winter".
Seine Handschrift
ist wahrscheinlich schon ...
Soweit ich mich
an den Film erinnere,
ich habe ihn nicht
nochmals geschaut.
Er spielt mit dem Dokumentarischen,
er mischt
Dokumentarisches mit Fiktion.
Eine gewisse Rohheit,
auch Zurückhaltung
in der Inszenierung.
Es entwickelt sich vielleicht
in eine Richtung,
dass er eine Handschrift haben wird,
aber sie ist nicht deutlich
wie bei Schäublin.
Doch, ich denke sehr.
Er setzt sehr auf Dauer
und auf Länge.
Auch im Ausschnitt,
den wir gerade sahen,
wie die Heuballen
transportiert werden.
Ein anderer Film
würde uns kurz zeigen,
wie das funktioniert
und dann wegschneiden.
Aber bei ihm müssen wir mit den
Figuren warten, das auch aushalten.
Das nennt man inzwischen
Slow Cinema.
Wir müssen uns auf eine andere
Geschwindigkeit einstellen.
Er zeigt dann auch,
wie die Bauern auf der Wiese heuen.
Es geht dann länger und länger,
und irgendwann merkst du:
Es geht um etwas anderes als nur
darum, die Location kurz zu zeigen.
Es geht um diese körperliche Arbeit.
Das ist fast schon ethnografisch.
Wie bei "Unrueh" waren es auch hier
Laiendarsteller.
Hier noch zentraler, denn es waren
praktisch alles Laiendarsteller.
Dagegen gab es offenbar
auch Widerstand,
gerade aus der Schauspielszene.
Denn sowohl Michèle Brand
als auch Simon Wisler
sind nominiert für den Schweizer
Filmpreis als "Schauspieler".
Und da sagen
die Schauspieler natürlich:
"Moment, das ist eine Profession!
Ihr nehmt uns die Preise weg."
Nein, das finde ich überhaupt nicht.
Nein, ich denke, sie sollten für
ihre Leistung auch honoriert werden.
Das Thema Laienschauspielarbeit
ist dieses Jahr ohnehin präsent,
weil auch Cyril Schäublin
in "Unrueh" nur mit Laien arbeitete,
und auch bei Ursula Meier
kommt eine Laiendarstellerin vor:
Elli Spagnolo,
die die kleine Schwester spielt.
Auch sie wirkte zum ersten Mal
in einem Film mit.
Ich möchte den Beruf
des Schauspielens nicht tangieren,
aber ich denke,
dass alle Filme so frisch wirken
und auch die Dialoge
so natürlich wirken -
was im Schweizer Film
nicht immer der Fall ist -,
ich denke,
das hat auch damit zu tun,
dass improvisiert wurde
und Leute dabei waren,
die nahe an dem sind,
was sie spielen sollten.
Ja, und gerade
in kreativen Bereichen
finde ich es auch sehr wichtig,
dass Talent stärker gewichtet
werden müsste als das Diplom.
Wie soll man sonst Nachwuchs finden,
wenn immer ein Diplom
vorausgesetzt wird?
Ich stimme Marcy Goldberg zu.
Man muss auch ein bisschen ...
- Es geht um die einzelne Leistung.
Man muss das Administrative
hinter sich lassen.
Es geht um die Leistung.
Es geht ums Talent.
Während "Drii Winter" mit Laien
und seiner dokumentarischen Anmutung
auftrumpft,
greifen viele
der nominierten Dokumentationen
auf Mittel des Spielfilms zurück.
Diese fünf Titel
haben es in die Endauswahl geschafft.
Kämpfen, fallen,
Ohrfeigen einstecken.
"Cascadeuses" - Stuntfrauen.
Wie Frauen sich
mit viel Körpereinsatz
in einem Männerberuf behaupten.
(Mann) Action!
Was bleibt, wenn wir gehen.
"(Im)mortels" -
eine Reise zwischen Leben und Tod.
Irgendwas ist passiert.
Bloss: Was genau?
"L'îlot" - mysteriöse Spurensuche
in einem Lausanner Arbeiterquartier.
Ihr erster Roman "Strangers
on a Train" wurde gleich verfilmt.
"Loving Highsmith" - Leben,
Lieben und Leiden der Erfolgsautorin.
Herzlich willkommen zu
diesem Video hier auf meinem Kanal.
Schein und Sein in virtuellen Zeiten.
"Girl Gang" - Einblicke in den
Arbeitsalltag einer 14-Jährigen,
die ihre Eltern zum Stöhnen
und die Fans zum Kreischen bringt.
Da wir leider nur für eine weitere
Filmbesprechung Zeit haben,
mussten wir uns im Vorfeld
auf einen Film einigen.
Das war gar nicht so einfach.
Wir haben uns letztlich
auf "Girl Gang" geeinigt.
Darf man das so sagen, "geeinigt"?
Denn wir fanden, dass bei diesem Film
die Meinungen am weitesten
auseinander gingen.
Denise Bucher,
Sie sind eine Verfechterin des Films.
Wieso sollte man
über diesen Film reden?
Weil er
ein relevantes Thema behandelt.
Er gibt Einblick in eine Welt
oder vielmehr in eine Parallelwelt,
in der sich Teenager bewegen,
von der Aussenstehende
keine Ahnung haben.
Oder zumindest wissen wir nicht,
wie genau sie funktioniert.
Es ist nicht nur so ein bisschen
Chatten und Videos schauen,
sondern es ist eine kommerzielle
Welt, in der sich diese Leo bewegt.
Darüber hinaus finde ich die Art und
Weise, wie der Film gemacht ist:
Es werden zwei entgegengesetzte
Entwicklungen erzählt.
Einerseits, wie die Influencerin Leo
immer tiefer
in den Sumpf der kommerziellen Welt
von Social Media hinabsinkt.
Auf der anderen Seite Melanie,
die unten im Sumpf anfängt
und sich dann langsam befreit.
Sie ist zu Beginn ein Ultrafan
von Leo, emanzipiert sich dann
und wird zu einer
eigenständigen Persönlichkeit.
Diese entgegengesetzte Bewegung
finde ich sehr interessant.
Das ist doch super spannend,
Marcy Goldberg.
Sie hätten lieber
andere Titel diskutiert.
Ja, ich plädierte für andere Titel,
aber jetzt sind wir bei dem,
also reden wir jetzt darüber.
Für mich ist es einfach ein Paradox,
dass dieser Film Menschen dafür
kritisieren oder blossstellen will,
weil sie auf eine oberflächliche Art
alles tun würden,
um Aufmerksamkeit zu generieren.
Bloss macht der Film
genau das Gleiche.
Ich finde das Thema extrem spannend.
Der Umgang von Jugendlichen
mit Social Media,
wie sie dem ausgesetzt sind -
wie gehen sie damit um?
Sowohl von Macher:innen-Seite -
wie diese Leo, die Opfer
ihres eigenen Erfolgs wird.
Aber auch die jungen Menschen,
die diese Produkte konsumieren.
Ich halte es
für ein sehr relevantes Thema.
Als Kunsthochschuldozentin
interessiert es mich sehr,
wie es den jungen Menschen geht.
Aber der Film
bringt keine Analyse davon,
sondern zeigt nur immer wieder
diese Welt des Scheins.
Er tappt in die Falle
und wird selbst Teil von dem,
was er zu kritisieren versucht.
Bevor wir weiterdiskutieren ...
- Das war etwas lang, aber ...
Geben wir doch
dem Publikum die Chance,
sich selbst ein Bild
von dieser Doku zu machen
und zeigen
einen längeren Filmausschnitt.
Also Bühne frei für die 14-jährige
Berliner Influencerin Leonie
und ihre fast ausschliesslich
weibliche Anhängerschaft.
(Jetzt hab ich die Million.)
(Eine Million Menschen
folgen mir auf Instagram.)
(So geil!)
Aua!
Wie kannst du einer Person ...
... gleichgültig sein?
Du merkst doch irgendwie,
dass du ihr wichtig bist.
Du schreibst ihr, sie liest es ...
... und keine Antwort.
Und das nicht nur einmal.
Du schreibst ihr,
aber es kommt nichts.
Es kommt nichts.
Es kommt einfach nichts zurück.
Und du denkst dir:
"Du bist den ganzen Tag online
und telefonierst mit irgendwem,
keine Ahnung ..."
Aber wenn man dieser Person
schreibt, dann kommt nichts.
Machst du einen Knoten rein?
Mach mal deine Haare hier weg.
- Aber mach nicht zu doll, Papa.
Au, au.
Nimm mal bitte deine Haare ...
Nein, das muss doch.
- Aua.
Wir müssen es enger machen.
- Au, was machst du da?
So, jetzt.
- Hält es so? Wie sieht's aus?
Sieht gut aus.
- Papa, geh da mal weg.
Wenn du jetzt so machst,
gehen sie kaputt.
Du darfst dich nicht
zu viel bewegen.
Oh nein,
eine Elfe am Frankfurter Turm.
Was machst du da?
Soll ich dir die
ans Handgelenk machen?
Das ist nicht dein Ernst, oder?
- Was denn?
Ej, wir drehen gerade.
Kannst du noch mal machen?
- Ach so.
Ich bring die Scheissluftballons
gleich ins Auto.
Pass auf die auf, wir haben nur die.
Dann kannst du dich ja
beschimpfen lassen.
Brauchst du Hilfe?
- Alles gut.
Hier am Schluss haben wir
einen kurzen Einblick erhalten
in die Dynamik
zwischen Vater, Mutter und Tochter.
Ich finde das einen
der spannendsten Aspekte des Films.
Sie auch?
Oder was hat Sie am Film fasziniert?
Das, was ich am Anfang sagte:
die entgegengesetzte Entwicklung
dieser beiden Mädchen.
Aber diese Eltern-Kind-Beziehung
ist schon auch sehr interessant,
v.a., wie sie sich verändert.
Die Eltern
werden mehr und mehr zum Personal
und stellen sich
in den Dienst von Leo.
Am Ende beginnen sie sogar,
sie zu kopieren.
Die Mutter will selbst Influencerin
werde, der Vater ist schon einer.
Und diese ...
... Hierarchie zwischen Kind
und Eltern dreht sich irgendwie um.
Das ist so.
Und die Eltern managen
ihr Kind eigentlich auch mehr,
als dass sie es erziehen.
Sie lässt sich
auch gar nicht mehr reinreden.
Sie ist Profi in dem, was sie macht,
und die Eltern
haben sowieso keine Ahnung.
Es ist ein Familienunternehmen,
und sie ist der Boss.
Sie ist eine sog. Digital Native.
Sie wurde in die Welt der sozialen
Medien und Internet geboren.
Sie weiss gewissermassen instinktiv,
wie gute Inhalte produziert werden.
Und dann muss sie die Eltern
rumdirigieren oder auch ertragen,
dass sie ihr Ratschläge geben,
die nicht unbedingt gut sind.
Aber gleichzeitig
ist sie eine Teenagerin.
Sie ist am Anfang 14,
und der Film begleitete die Familie
über vier Jahre.
Und als heranwachsende junge Frau
ist sie auch darauf angewiesen,
von ihren Eltern
auch beschützt zu werden.
Das ist dann auch
manchmal ein Streitthema,
dass sie findet, die Eltern würden
ihr zu wenig emotionalen Halt geben
oder sie zu wenig abschirmen.
Die Familie an sich
ist mir sehr sympathisch.
Ich frage mich mehr ob des
Standpunkts des Films als solches.
Also mit der Haltung,
wie Susanne Regina Meures inszeniert
oder womit genau?
Ich finde es teils sehr manipulativ,
was sie macht.
Aber wieso? Wieso?
- Ich versuche, es zu erklären.
Sie benutzt diese Familie,
um eine These aufzustellen.
Sie kommt zwischendurch
mit Statistiken,
die uns abschrecken sollen.
Z.B., wie viel Zeit junge Menschen
auf Social Media verbringen.
Das sollen wir alles
irgendwie schlimm finden.
Sie nimmt auch immer wieder
in den Szenen den Originalton weg,
um Musik eines Kinderchors
reinzuspielen,
damit alles eine epische Dimension
bekommen soll.
Aber die echte
dokumentarische Arbeit,
die in einem solchen Fall
spannend gewesen wäre -
warum machen das diese Leute?
Was ist der grössere Kontext?
Die Lage dieser Familie
hat auch sehr viel mit der deutschen
Politik seit der Wende zu tun.
Die Eltern wuchsen in der DDR auf
und mussten dann plötzlich
in einer kapitalistischen Welt
zurechtkommen.
Man erinnert sich an diese Diskus-
sionen über die Ich-AG in den 90ern.
Alle sollten Unternehmer
in eigener Sache werden.
Und diese Familie
hat das auch gemacht.
Und dann kommt die Regisseurin
mit der Moralkeule
und zeigt uns, dass wir das alles
schlimm finden sollten.
Ich deute es nicht so.
Deuten Sie das so?
Nein, überhaupt nicht. Ich sehe
keinen moralischen Zeigefinger.
Ich sehe diesen Chor
sowie die Off-Stimme am Anfang,
die an die Geschichte heranführt -
das hat etwas Märchenhaftes.
Aber es ist so abschätzig.
- Nein, überhaupt nicht.
Ich finde,
diese Stimme transportiert
ein gewisses Unverständnis
von uns Aussenstehenden,
die keine Ahnung haben,
wo sich die überhaupt bewegen
und was sie da tun.
Dieses Märchenhafte
fasst für mich das zusammen.
Vielleicht müssen wir erklären,
was dieses Märchenhafte ist.
Am Anfang des Films
hört man eine Stimme aus dem Off,
die wie eine Märchentante klingt
und sagt:
"Es war einmal
in einer grossen Stadt,
da hat ein Mädchen
einen Spiegel geschenkt gekriegt."
Und mit dem Spiegel
ist natürlich das Smartphone gemeint.
Der Film signalisiert doch am Anfang
mit einem Mittel des Spielfilms ...
... dass er zum Teil "künstlich" ist,
und dass das auch legitim ist.
Denn die Formen
von Dokumentation und Spielfilm
vermischen sich ja immer mehr.
Das sieht man ja auch in Nyon,
wo man sich auf die Fahne schreibt,
dass der Dokumentarfilm
eine "vision du réel" ist
und nicht das Reale ans sich.
Authentizität im Dokumentarfilm
ist sowieso eine Illusion.
Das gibt es nicht,
das behauptet man nur immer.
Das ist eine Diskussion für sich,
für die uns die Zeit fehlt.
Ich habe kein Problem mit den
Inszenierungen im Dokumentarfilm,
wenn sie auch ...
Es gibt Gründe, warum das auch
gut funktionieren kann,
sowohl dramaturgisch als auch im
Sinne einer ethischen Verantwortung,
die für mich im Dokumentarfilm
immer noch da ist.- Ja, aber ...
Und wenn die Märchentante sagt,
das seien kleine schwarze Spiegel,
die alle unglücklich machten,
aber die Leute seien abhängig und
kämen nicht weg von den Spiegeln.
Aber am Schluss
kann das Mädchen den Spiegel ablegen
und ist wieder glücklich.
Diese ganze Ebene -
wir sprachen vorhin darüber,
wie ein Film
sein Publikum mit Respekt anspricht,
und für mich macht dieser Film
genau das Umgekehrte.
Er betreibt Effekthascherei
und sog. "moral panic",
was die neuen Medien
mit den jungen Menschen machen.
Ich denke,
das Thema ist so eminent wichtig,
dass wir Filme darüber brauchen.
Ich denke nicht,
dass ich keine Ahnung davon habe,
weil ich mich damit
auch als Medienwissenschaftlerin
auseinandersetze.
Ich schaue mir auch Sachen an,
die junge Menschen ins Netz stellen.
Aber ich weiss nicht,
wie es sich anfühlt,
in dem Alter
dem ausgesetzt zu werden.
Der Film zeigt v.a. diese Mengen
von kreischenden jungen Menschen,
wie wir das von früher
aus den Beatles-Filmen kennen.
Das wird meiner Meinung nach
nicht wirklich
auf eine humanistische Art ...
Denise Bucher,
Widerrede an dieser Stelle?
Ja, ich weiss gar nicht,
wo ich anfangen soll.
Du wolltest darüber reden,
jetzt tun wir es.
* Marcy Goldberg lacht. *
Sie sprachen ganz am Anfang
von blossstellen.
Wo im Film
wird wer blossgestellt und wieso?
Einerseits das,
das sehe ich überhaupt nicht so.
Das andere ist:
Wie müsste denn ein Dokumentarfilm
von dem Thema erzählen,
damit es ethischer daherkäme?
Nur weil der Film so inszeniert ist,
dass er packt und zwei gegen-
sätzliche Figuren so inszeniert,
dass sie gegensätzlich bleiben und
wir uns vieles auch denken müssen,
ist er doch nicht unethisch
oder verantwortungslos.
Nein, das ist auch nicht
meine Kritik.
Ich habe kein Problem damit,
dass sehr viel inszeniert wird,
denn im Film geht es ja auch
um Selbstinszenierung.
Das ist also selbstverständlich.
Mir geht es darum,
welchen Rahmen der Film zeichnet
und was er uns zeigt
oder vorenthält.
Als der Vater am Ende des Films
so nebenbei erwähnt,
dass er in der DDR aufgewachsen ist,
da ging für mich ein Licht.
Da habe ich plötzlich sehr viel
aus dem sozialpolitischen Kontext
dieser Familie verstanden,
was im Film zu kurz kommt.
Es wird immer wieder erklärt,
dass sie Erfolg und Geld wollen,
und die Mutter meint, dass sie
durch Geld auch Sicherheit bekommt.
Wenn man erst spät
nur beiläufig mitbekommt,
dass die Familie auch diese
grossen Veränderungen erlebt hat
durch die Wende und
die Situation danach in Deutschland,
dann wird das klarer.
Deshalb finde ich das Framing
mit einer Märchengeschichte
nicht adäquat,
wenn man wirklich verstehen soll,
was mit diesen Menschen los ist,
warum sie das tun
und welche gesellschaftlichen
Auswirkungen das hat.
Dann muss man das auch mehr zeigen
und nicht gezielt Zwischentitel
mit Statistiken bringen,
damit wir uns Sorgen machen,
dass die Kinder
zu viel Zeit online verbringen.
Früher hörten die Kinder
zu viel Rock 'n' Roll,
davor tanzten sie zu viel Jazz ...
- Marcy!
Ja?
- Ja, also ...
Jetzt habe ich mich selbst
aus dem Konzept gebracht.
Man muss doch nicht in der DDR
aufgewachsen sein,
um im Leben nach Erfolg zu trachten.
Das finde ich zu reduktionistisch.
Das habe ich auch nicht gesagt.
- So habe ich es verstanden.
Leo interessiert sich nicht
für die Geschichte der Eltern,
sie will einfach
Erfolg haben im Internet.
Sie begann ganz naiv,
merkte, dass es funktioniert
und jetzt will sie immer mehr.
Darum geht es
sowie um die Abgründe,
die sich dann auftun
und die sie als Kind nicht erkennt.
Ich finde, es geht hier nicht
um den politischen Hintergrund
der Eltern und einer ...
Gut, ich glaube, wir kommen da nicht
auf gemeinsamen Grund,
zumindest nicht alle drei.
Aber das macht nicht,
denn das ist nur einer
von fünf Dokumentarfilmen,
der in dieser Sparte gewinnen könnte.
Wie sehen Sie denn
die Chancen dieses Films?
Und wen sehen Sie
beim Spielfilm vorne?
Wer will?
Who should and who will win?
Ich glaube, "Girl Gang" ...
Meiner Meinung nach ist es schon
der Film, der gewinnen sollte.
Denn er behandelt
ein relevantes Thema
und wird von einer Regisseurin
auf eine Art inszeniert,
die man so nicht erwartet
in einem Dokumentarfilm.
Sie trägt dick auf.
Man kann es plakativ finden,
ich finde es gut,
dass sie es so macht,
sie wagt etwas.
Deshalb wäre ich für "Girl Gang".
Es ist schwierig, jetzt einen Film
in die Diskussion zu bringen,
den wir nicht besprochen haben und
für den wir keine Zeit mehr haben.
Aber ich finde "Loving Highsmith"
von Eva Vitija
aus internationaler Sicht
am überzeugendsten.
Der Film hat international
im Vergleich zu den anderen
auch am meisten Erfolg.
Es ist eine Biografie
von Patricia Highsmith.
Der Film spielt für mich
in einer ganz anderen Liga
als die anderen nominierten Filme.
Und wie sieht es
bei den Spielfilmen aus?
Schwierig. Ich wäre mit allen
nominierten Filmen glücklich.
Aber es würde mich
ganz besonders freuen,
wenn "Unrueh" gewinnen würde.
Einfach, weil der Film so anders
als die anderen daherkommt
und weil er von der Thematik her
etwas aufmüpfig ist.
Ich würde mich auch für "Unrueh"
freuen, aber ich glaube,
dass er andere Preise gewinnen wird,
nicht den besten Spielfilm.
Zum Beispiel?
- Bester Schnitt, Drehbuch -
alles Mögliche.
Denn er ist formal so stark.
Wen haben Sie auf dem Zettel,
Denise Bucher?
"Foudre" von Carmen Jaquier, über
den wir auch nicht gesprochen haben.
Ich finde den Film
ganz aussergewöhnlich.
Ich denke auch, dass er für eine
Bewegung im Schweizer Film steht,
die sich langsam abzeichnet.
Man kann es vielleicht
neue Sinnlichkeit nennen.
"Unrueh" gehört auch dazu,
aber auch "Soul of a Biest"
und "Sekuritas" gehörten dazu.
In den letzten Jahren setzte sich
eine Art der Inszenierung durch,
die nicht mehr
handlungsgetrieben ist,
sondern Atmosphäre ...
Man vertraut wieder auf die Bilder
und erzählt sinnliche Geschichten,
die nicht von Dialogen abhängen
und die eine cineastische Qualität
entwickeln,
die man schon lange
nicht mehr gesehen hat.
Ich glaube und hoffe auch,
dass "Drii Winter" gewinnt.
Herzlichen Dank fürs Orakeln,
Marcy Goldberg und Denise Bucher.
Es machte - gerade weil wir uns
nicht immer einig waren - viel Spass.
Darf ich noch kurz etwas sagen?
- Ganz kurz.
Die Leute sollen wieder
ins Kino gehen.
Einfach allgemein,
egal welche Filme.
Und es war
ein starker Schweizer Jahrgang.
Es starten jetzt auch neue Filme,
"Foudre" z.B.
kommt erst jetzt ins Kino.
Ja, "Foudre", "Unrueh"
und "La Ligne" sind Filme,
die man auf der Leinwand sehen muss,
auch in diesem geschlossenen Raum
zusammen mit anderen,
damit man wirklich hineinsinkt.
Okay.
Am nächsten Freitag
werden sie vergeben,
die Schweizer Filmpreise 2023.
SRF berichtet darüber
ab 20 Uhr auf SRF info
und im Netz auf srf.ch/kultur.
In diesem Sinne:
Gehen Sie wieder mal ins Kino
und fiebern Sie mit
beim Schweizer Filmpreis.
Untertitelung: Sucevic Solutions
im Auftrag von SWISS TXT - 2023